Minimalismin genre paljastuu eri taiteen muodoissa: maalauksessa, musiikissa ja kirjallisuudessa. Se syntyi XX vuosisadan 60-luvulla ja syntyi vastauksena abstraktille ekspressionismille. Minimalistit yrittivät siirtyä pois abstraktin ekspressionismin ilmeisistä piirteistä, koska he pitivät näitä teoksia liian mahtavina ja vähätellen itse taiteen olemusta. Päinvastoin, minimalistisen genren taiteilijat yrittivät luoda kuvan yksinkertaisista viivoista ja hahmoista. Minimalismille on ominaista teosten tulkinta katsojan silmin. Erityisesti tästä taideteoksesta poistetaan kaikki monimutkaiset esineet, itseilmaisuvälineet, elämäkerrat ja sosiaaliset ohjelmat. Katsojan pitäisi nähdä kuva sellaisena kuin se todella on: täynnä neitseellistä kauneutta ja rehellisyyttä.
Peruselementtien vahvan painottamisen vuoksi minimalismin genre tunnettiin ABC-taideena. Suurin osa merkittävimmistä minimalisteista oli kuvanveistäjiä, mutta minimalismi oli vallitsevaa myös Land Artissa, joka on sen genren sivuhaara, jonka tavoitteena oli luoda taidetta maisemamuotoon, lähinnä maisemasuunnittelun haaraan.
Minimalismi keskittyy myös valon ja tilan liikkumiseen, mutta monet tämän genren taiteilijat yrittävät kuvata teoksissaan tyhjyyttä.
Uskottiin, että minimalismi sai alkunsa Aasiasta. Zen-buddhalaisuudella on ollut valtava vaikutus monien länsimaisten taiteilijoiden töihin, kuten Agnes Martin on esimerkkinä. Suuri joukko minimalistisia taiteilijoita sai vaikutteita hindulaisista kirjoituksista lainatusta "tyhjyyden" käsitteestä. Mono-ha oli yksi Aasian suurimmista minimalistisista liikkeistä. Se oli Japanin ensimmäinen kansainvälisesti tunnustettu nykytaiteen liike. Mono-ha, jota kutsutaan myös "asioiden kouluksi", syntyi XX vuosisadan 60-luvun puolivälissä, ja siitä tuli sitten innovatiivinen taideliike. Tätä ryhmää johtivat Li Ufang ja Nobuo Sekine. Se oli ainoa yhdistys, joka asetti toimintansa "ei-luoviseksi" toiminnaksi. Tällaiset ryhmät hylkäsivät perinteiset edustusajat. Heidän toiveensa oli paljastaa maailma vuorovaikutuksessa materiaalien ja niiden ominaisuuksien kanssa, samalla tavalla kuin länsimaisen minimalismin suuntaus.
Tarjoamme katseluun minimalistisen taiteen tunnetuimpia teoksia korostaen kuuluvuutta tähän genreen. Saat myös maalauksia ja veistoksia, jotka tuhoavat perinteiset käsitykset taiteesta yleensä, koska ne ovat poistaneet niiden väliset erot.
Frank Stella "Bannerit taivaalle!" (1995)
Taidemaalari, kuvanveistäjä ja taidegraafikko Frank Stellaa pidetään yhtenä vaikutusvaltaisimmista nykyajan amerikkalaisista taiteilijoista. Hänen maalauksensa, jotka ovat täynnä raitoja, sekä suurenmoiset printit mullistavat paitsi minimalismin myös abstraktion maailman. Kirjoittaja huomauttaa, että suurimman vaikutuksen hänen työhönsä antoivat abstraktit taiteilijat Pollock ja Klein. Mutta kohtalon tahdosta Frank Stellasta tuli yksi minimalismin perustajista.
"Bannerit ylös!" nimetty natsien marssilaulun mukaan, mutta kaikella paitsi kuvan nimellä ei näytä olevan mitään merkitystä. Tämä teos on osa suurta Stellan synkän työn sykliä. Kuvassa selkeästi näkyvät vaaleat viivat ovat vain käsittelemätöntä kangasta, joka on jäänyt leveiden mustien raitojen väliin. Tämä yksivärinen teos on yksi kuuluisimmista maalauksista, jotka haastavat abstraktin liikkeen.
Robert Morris, Nimetön (Mirror Cubes) (1965/71)
Robert Morrisin "Untitled (Mirror Cubes)" paljastaa hänet paitsi minimalistisen genren luojana, myös käsitteellisenä. Kirjoittaja törmäsi suuriin harmaisiin vanerista valmistettuihin laatikoihin, joita käytettiin koristeena vielä esiintyessään balettiryhmän kanssa. Työssään hän peitti nämä laatikot peileillä ja muutti siten havainnointitapaa ja lisäsi yksinkertaisiin harmaisiin kuutioihin uusia visuaalisia ominaisuuksia. Sävellys tähtää katsojan välittömään vuorovaikutukseen kohteen kanssa: peilattujen kuutioiden välissä kävellessä katsojat törmäävät tahattomasti itsensä kanssa ja jäävät ikään kuin yksin ajatustensa kanssa, mutta yksin kaikkien kanssa. Taideteoksen ihailemisen keskeyttää yhtäkkiä etsiminen. Tällä perusteella "hyökkäys" galleriatilaan tapahtuu. Ihminen alkaa tuntea taiteen läsnäolon näkyvän ulkopuolella.
Agnes Martin, Takaisin maailmaan (1997)
Agnes Martin maalasi maalauksia, joissa ei millään tavalla kuvattu esineitä, mutta niiden nimet korostivat luonnon vahvaa viehätystä. Martinin työ tunnistettiin ruudukosta, jossa yhdistyvät minimalismi ja värimaailma. Ruudukkoa käytettiin kankaan tilan järjestämiseen. Hän on auttanut luomaan loputtomasti erilaisia rauhoittavia teoksia hienovaraisissa värimaailmassa.
Zen-buddhalaisuudesta ja taolaisuudesta vahvasti vaikuttanut Martin on ollut hyvin irrallaan maailmasta suurimman osan elämästään, jopa asunut New Mexicossa. Hänellä diagnosoitiin skitsofrenia 40-vuotiaana. "Takaisin maailmaan" on kirjoitettu hänen 9. elämänsä vuosikymmenellä. Hän oli tuolloin vanhainkodissa. Sinisen, persikan ja keltaisen raidat korostivat edelleen taiteen ainutlaatuisuutta korruption täynnä olevassa maailmassa, joten hän pienensi kankaiden kokoa, jotta heillä olisi vähemmän vaikeuksia käsitellä niitä.
Ellsworth Kelly, punainen, keltainen, sininen II (1953)
Palvelulla toisen maailmansodan aikana oli selvä vaikutus Ellsworth Kellyyn. Sitä käytettiin tavallaan luonnon ja arkkitehtuurin havainnointina ja sitten käytännössä. Tekijän huolellinen abstraktiotutkimus ja sen soveltaminen teoksiinsa kehitti minimalismia. Maalaussarja "Punainen, keltainen, sininen" vaikutti maalaustapoihin. Se luotiin heti, kun Kelly löysi yksivärisen värispektrin, satunnaisuuden ja monipaneelisommittelun loputtomat mahdollisuudet.
Red Yellow Blue II koostuu seitsemästä paneelista. Keskimusta paneeli on sekä jakopaneeli että kolme paneelia kummallakin puolella. Siniset paneelit päissä korostavat Kellyn sävellystä. Juuri tätä työtä pidetään yhtenä hänen parhaista teoksistaan, samoin kuin suurimpana teoksena hänen Pariisissa oleskelunsa aikana.
Sol Levitt, Maalatut seinät
Sol Levitt on maalannut uransa 40 vuoden aikana 1 350 seinää, joista 3 500 on installaatioita 1 200 paikkaan. Suunnittelut olivat täysin erilaisia: mustalla liuskekivellä maalatuista suorista raidoista monivärisiin aaltoviivoihin, yksivärisiin geometrisiin muotoihin ja kirkkaisiin akryylimaalattuihin tiloihin. Kirjoittaja torjui luojan oman käden perinteisen merkityksen, jolloin hän voi auttaa muita taideteoksensa luomisessa. Hänen seinämaalauksensa ottivat käyttämiensä tilojen muodot, joten niitä tutkittiin arkkitehtuurin ja taiteen alalla.
Levitt kuoli vuonna 2007, mutta hänen työnsä elää edelleen, koska niissä on taiteilijan henki. Nykyään monet taiteilijat kieltäytyvät luomasta hänen seinämaalauksiaan uudelleen, jolloin he voivat koristella seiniä ympäri maailmaa.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
Rainbow Picket on huoneen kokoinen installaatio. Se koostuu kuudesta trapetsista, jotka ovat erivärisiä ja pituisia. Ensimmäisen yksityisnäyttelyn Rolf Nelson Galleryssa Los Angelesissa (tammikuu 1966) lisäksi tämä teos oli esillä juutalaisen museon perusnäyttelyssä "Perusrakenteet".Clement Greenberg, tunnettu kriitikko, puhui tästä työstä tämän alueen parhaana. Vuonna 2004 Rainbow Picket rekonstruoitiin, ja myöhemmin kohteesta tuli LAMOCAn tunnusmerkki "Minimalistinen tulevaisuus? Taide esineenä (1958-1968)".
Luomalla tällaisia teoksia, testaamalla värin mahdollisuuksia omilla tilakuvioillaan ja kaavioillaan Judy Chicago nousi tunnetuksi minimalistisen genren uudistajana.
Dan Flavin, "Nimetön (Harold Joachim) 3" (1977)
"Untitled (Harold Joachim) 3" on yksi Dan Flavinin monista teoksista. Se koostuu LED-lampuista ja metallipidikkeistä. Kirjoittaja tutki fluoresoivan valon mahdollisuuksia kolmen vuosikymmenen ajan suorittaen työtään vain kaupallisesti saatavilla olevilla materiaaleilla. Luoputtuaan abstraktin ekspressionismin käsitteistä Flavin alkoi käyttää tällaisia laitteita ja esitteli sen sitten korkean taiteen maailmaan. Ensi silmäyksellä teos näyttää mahdollisimman yksinkertaiselta, mutta tarkkaan katsomalla huomaa työn syvän hienostuneisuuden.
Flavinin teokset ylittävät tilan, jossa ne sijaitsevat, valon leikin ja erilaisten väripalettien ansiosta. Esineet antavat katsojan kylpeä LEDien lämpimässä hehkussa, luoden erityisen tunnelman.
Eva Hesse, "Nimetön teos (köydenpalat)" (1970)
Eva Hesse syntyi Saksassa. Tunnemme hänet nyt innovatiivisena amerikkalaisena kuvanveistäjänä, joka työskentelee lateksin, lasikuidun ja muovin parissa. Hän loi perustan postminimalismin kehitykselle 1900-luvun 60-luvulla. Kirjoittaja tutki paljon enemmän yksinkertaisimpien kuvissa käytettävien materiaalien ominaisuuksia.
"Nimetön teos (Pieces of Rope)" syntyi vuonna 1970, kun Hesse oli jo kuoleman partaalla, ja valmistui toveriensa avulla. Näyttely on valmistettu lateksista, joka on venytetty köyden, siiman ja langan päälle ja ripustettu kattoon. Se simuloi sotkeutunutta kuviota avaruudessa. Hesse on siirtynyt pois perinteisestä minimalismin siisteydestä, mutta hänen tapansa esittää materiaalia nähdään genren sisällä.
Donald Judd, Nimetön työ (1980)
Donald Judd kiistää jyrkästi yhteytensä minimalismiin. Tästä huolimatta hän on yksi sen perustajista. 1900-luvun 60-luvun alussa kirjailija havaitsi tietyn vihamielisyyden eurooppalaisia taiteellisia arvoja kohtaan, joten hän siirtyi pois kuvanveistäjän työstä ja alkoi luoda teoksia, joita ei voitu liittää mihinkään yllä olevista taiteen osa-alueista. Hänen töitään on myös ollut esillä Major Structuresissa New Yorkissa.
1980-luvulla Judd alkoi luoda riippuvia pystyhyllyjä. Esimerkki tästä on "teos ilman otsikkoa" (1980). Toistaiseksi tämäntyyppistä työtä ei voida lukea maalaamisen ansioksi. Ei veistos. työ on valmistettu 2 tyyppisestä materiaalista: alumiinista ja pleksilasista. Tämä tehdään niin, että katsoja ajattelee taiteen ristiriitaisuutta: sivulta näkyvät läpinäkymättömät ja pakkomielteiset hahmot kytkeytyvät edessä olevan tilan syvyyksiin.
Suosittelemme katsomaan:
Ymmärtääkö MINIMALISMI yleisesti, miksi sitä näytetään museoissa. Kuinka minimalismi alkoi kehittyä ja kuinka se vaikutti elämäämme!
